摄影师，总是让人心生敬畏。他们是执着的匠人，对自己的作品精益求精；他们是卓越的造梦者，在银幕上任意挥洒光影的魔术；他们好似理性与感性的完美结合体，在艺术与技术之间化解一个个难题，却将所有经历的煎熬和压力藏在银幕之外。

首届中国（白沙）影视工业电影周发起了优秀创作者访谈纪录片系列，将镜头对准优秀的幕后创作者、电影人，通过电影作品去追溯他们成长历程，解读他们创作中的鲜活独特的个人经验，探索他们最真实的艺术视角和最本真的创作初心。电影周将于2019年11月8日—11月13日举行，旨在通过对幕后英雄的鼓励、认同，引起大众对幕后英雄的重视与尊重，推动中国电影工业化进程。

本期内容分享自摄影师罗攀的部分的节选。

罗攀，绝对是当今国内最受瞩目的摄影指导之一。英语专业退学后考进北京电影学院，毕业后在西藏工作了五年，后凭借《五彩神箭》拿到上海电影节最佳摄影，随后担任了《老炮儿》《我不是潘金莲》《芳华》的摄影师，和导演冯小刚、张艺谋都有合作。

罗攀一直说：不要以为摄影师只是一个技术代名词，摄影师首先要是一个文学鉴赏者。没有文学鉴赏能力就不能判断一个剧本的好坏，就不能探求剧本中角色的内心，就不能在拍摄中抓到最适合的拍摄角度和方法。

电影摄影的全部表达包括了服装、美术、灯光，甚至包括了导演的调度和演员的表演。罗攀发现他对《烈日灼心》所有的技术上的处理，后期是没有办法说出来当时为什么要那样做，但在那个环境下就有很多刺激点。比如演员、剧本、导演调度，换一点元素比如换个演员，他就可能不会那么去处理。还有很多临场发挥的东西，比如镜头的摇晃、焦距的变化，在那个当下他想去借助这样的镜头来表达角色内心更深层的东西。也是在跟演员交流中慢慢熟悉起来演员的表演方式，知道在那个时候要推上去，帮助他更好地呈现。

罗攀在西藏五年的经历让他觉得，没有什么事情是了不得的，包括拍摄时候的手法、技巧，没有一种形式是绝对的，因此作为摄影师不应该总是想着用什么厉害的技术去呈现，而是更应该专注当下所做的。所以对于所谓的商业摄影和艺术摄影都有自己的总结。比如拍《老炮儿》的时候，导演管虎问罗攀：你想拍什么样的北京？罗攀就明白了管虎不想再去重复拍烂了的京腔京韵京味儿，他想呈现一个不一样的北京，于是罗攀就尽量把这种熟悉感陌生化。一个与时代格格不入的老炮儿用暴力的手段来发泄自己的孤独感，这是电影呈现的核心内容。拍《五彩神箭》时候也是，用商业的拍摄方式拍了一个传统地域人的故事。罗攀没有重复导演一贯的自然纯朴风格和长镜头，他弱化了西藏的地域性，不表现西藏风景多美，而是用现代化电影语言，把有意思的故事本身拍出来。

当然在中国电影工业化还不成熟的今天，罗攀自己也有很多地方需要进步，他给自己的要求是即使自己没有那么好的想法，也要尽量保证影像质量往电影工业化标准上去靠。罗攀老师，在工作中非常善于总结，所以此篇文章我们也节选了很多他的观点分享大家，以下为访谈部分内容整理。

开拍前，60%的时间在寻找合理的影像语言

影视工业网：在电影开拍前你还会做哪些案头工作？

罗攀：看完剧本后的第一步是我要把影像化的方案拿出来，这是最难的一个工作。影像化就是一种摄影的语言，让导演觉得合适且独到。拍《烈日灼心》还有其它好多电影时，都花了很长时间去找这种语言。这种语言并不是一个很技术性的，比如要用到什么镜头、什么灯。通常的方式有大量看片，大量读剧本，自己去想、去找，捕捉那种感觉。有时候你脑袋想象一个画面觉得很好，可是并不一定能够完成。可能是你的水平完不行，要么技术完不成，要么条件完不成。所以这个影像化要合理、有可行性，这大概要花掉前期60%的时间去搞这个事情。

《烈日灼心》剧照

《烈日灼心》这个剧本最打动我的地方就是：一个好人做了一件坏事，他急于想要偿还的这种急切心理，可是社会又不给他空间，所以有了一种非常纠结和痛苦的状态，这是很感动我。那任务就变成如何把辛小丰他们三人这种很着急、很恐惧的状态拍出来，怎么表达出他们内心剧烈的波澜。最后定下了肩扛+变焦距的拍摄方式。因为演员有任何的表演变化，我希望镜头能马上靠近他。观众变成了审讯者，而且是个活动的审讯者。变焦距的使用，是我老觉得演员有一种心理活动变化时，希望让观众也看到，我像新闻记者一样把镜头推上去，有意识强化这个故事。

《老炮儿》我当初提出的一个想法就是熟悉场景的陌生化，因为北京大家都很熟悉，如何让北京看起来不像北京很重要。北京有什么气侯特征？干燥。那我就拍得湿润点。北京阳光很强烈，那我拍的阴沉沉。北京有很多暖调，我就拍成冷调。北京有很多旧的东西，我就把它拍得新。说白了，就是把北京拍成像广州、成都那样的南方城市。然年，我觉得这个故事是不是北京都无所谓了，“六爷”的行为并不是只有北京人才做的出，任何一个对尊严有要求的老人，或者当过大混子的人，都有这种可能性。

等我找到了这个语言，就会和导演沟通。一般会拍一个测试，或者拿一些参考东西给导演看。如果和导演达成了共识，就确定了这个影像化的方案，那就进入第二步——影像化的实现。这要做特别多的准备，比如说器材、光线、看景、选景。

拍《芳华》的时候我想做到既真实又浪漫。第一我希望是长镜头，第二我希望画面很明亮，第三个就是怎么把舞蹈拍得很漂亮。因为很复杂，怎么让一场戏在一个镜头里完成，就试验了很多方法。后来找到了MAXIMA，那个机器也比较中，就需要我自己大量地练习。《我不是潘金莲》就更不用说了，怎么能做到那个语言，做到那个中国化的特点，需要大量去准备。比如说，我当时就放弃了MP这种高级镜头，用了一些像T1.3高速镜头。

这个准备通常以什么为结束呢，就是拍一个比较完整的测试片，和拍电影一样，大概四、五分钟，镜头的节奏都一样。拍完把它给导演看，解释一下我是怎么干的，导演如果同意，那准备工作就可以结束了，剩下就是开拍。

拍摄时，我考虑更多的是人而非技术

影视工业网：你拍摄时有特别看重的东西吗？比如光线、运动、构图？

罗攀：我拍摄时，光线、镜头、运动、构图这个是最基本的，现在已经不是我的重点考虑，或者说它进入了潜意识。

我更多考虑的是人物的确立，说白了更多地关注演员，关注演员的脸和他的表演。一个演员出现在我面前的时候，我要感觉到他合适还是不合适。如果不合适，而且导演已经确定，那我的任务就改为：要让他看起来合适。我怎么来拍他，光线、角度、用什么景别来拍，如何把银幕中的人物拍出味道来。等我拿出了这种方案，或者找到这种感觉以后，景别、构图、光线已经是很次要的东西，那是基本功。

关注完人以后，我关注“景”，景更能决定我拍出什么东西。一个景的空间感、光线、色彩，和故事之间的关系，以及和人物的关系。一场戏是空间更重要，需要忽略人的因素；还是人更重要，需要忽略空间因素；这两者之间的平衡如何把握，是我更关注的。

《海边的曼彻斯特》剧照

还有就是演员的表演。很多电影可能角色很平淡，或者导演喜欢比较平淡的镜头，但演员的表演很突出。那怎么能去把演员的表演强化，去发现他，而不是改造他。比如说《海边的曼彻斯特》这部电影，男演员的表演非常打动人，但电影也没有格外夸张的镜头，所以这部电影是怎么在捕捉这些表演的？让观众站在一个什么角度去看待故事，还是用什么角度让观众看他的表演，这是不同的概念。那摄影师的位置要摆的很正确，这是我拍电影主要考虑的问题。

摄影的节奏就是银幕的时间感

影视工业网：对于摄影来说，节奏是指什么？

罗攀：比较直观的就是时间感。同样是一分钟的镜头，有的镜头看起来很漫长，有时候就觉得镜头挺短。什么原因呢？可能是景别不一样，景别比较松，观众会觉得时间漫长；当景别变为大特写，去跟着一个人来来去去，镜头就会饱和，节奏就会快。还有角度，当角度变化比较多，就会感觉镜头变化丰富，时间变短了。角度很稳定，比较固定，不怎么动，时间就感觉长。

同样的时间范围内，镜头、景别、甚至光孔的选择，都会让观众感觉时间不一样，慢慢合在一块就是镜头节奏。摄影师要和导演一起研究，每一个镜头的时间感是多长，是要快还是慢，是悠扬还是低沉。当然也有影调，黑暗压抑的影调和明亮的影调，在同样的时间中感觉也不同。

摄影奖更多是大众审美，而非美学突破

影视工业网：你怎么看待电影摄影的“流行趋势”，比如一段时间流行长镜头、肩扛？

罗攀：这个问题我觉得可以和大家讨论。其实大多数电影节，包括奥斯卡评最佳摄影奖时，大多数投票人都不是摄影师，从某种意义上来说他们并非专业人士。那在这种情况下，他们评摄影奖很大部分程度是一种大众欣赏习惯。所以在这种情况下，时尚和潮流就起到很大的作用。

有一段时间，艺术片有一种固定的拍摄模式，比如说肩扛、用胶片拍，有段时间搞黑白，有一段时间就是喜欢比较“脏”的影像。追求这种时尚，如果做的好，就容易博得投票人的掌声，拿到摄影奖。但从某种意义上，只是由于这些评委并非专业人士，而且喜欢这个“口味”，就颁给了他。当这些奖颁出以后，就会影响一批人。产生模拟，所以在这种情况下，摄影奖变成很功利的一件事情。

那有没有专业的摄影奖？有。比如说波兰Camerimage国际电影节（专注于电影摄影师的电影节）、美国的摄影师协会奖，都有一些专业奖，但不为大多数人知道。所以肩扛、黑白这些有时候是电影摄影的一个潮流，但不是全部。但恰好是这一部分，被很多非专业人士、评委当成了艺术，不停地给奖，也让很多人去拷贝这个。

这种时尚确实让摄影有了一些发展，但它也有阻碍。比如近几年金马奖在最佳摄影奖的评选上就有一些美学的滞后，还是停留在肩扛、长镜头、黑白这一类，这些美学在九十年代就已经玩的比较“狠”。但其实现代电影摄影的美学已经进步了很多，我认为现在世界上最好的电影摄影师在商业片上。但由于商业片大家天生认为它不够艺术，那评委自然就不会很喜欢。所以商业片摄影再好，它不都大会受到电影节的认可，所以这也是一件很奇怪的事情。

影视工业网：那么什么是商业片的拍摄？什么是艺术片的拍摄？

罗攀：在国内大家没有形成一个共识。什么是商业片的拍摄，什么是艺术片的拍摄，大家只有一个模糊的概念。但我们会模仿，比如说美国的商业片是这样的影调特征，我们就按照这个方式去拍。艺术片是那样的特征，我们就按那个方式拍，很少有人把这两者混在一起。比如我用商业片的影调去拍艺术片，或者用艺术片的影调去拍商业片，就比较少，这样做是比较难的，很难做好。

举个例子，商业片要强调明星，观众需要看见漂亮的明星，那摄影就必须把明星拍漂亮了。但如果一个女演员演了一个悲剧角色，或者一个不需要她漂亮的角色，你把她拍得太脏、太黑、太暗，势必引起观众的不满。这就是艺术追求和商业诉求的矛盾。甚至可能会遇到导演和制片要求你重拍，那这个摄影师就会被迫要把演员拍漂亮了。

所谓商业就是要赚钱，而赚钱你就要让大多数人买单，所以就要满足大多数人的审美习惯。但大多数人审美习惯就意味着是最普通，甚至可以说是比较庸俗的。而艺术讲究的是个性、独特、反常规，那势必跟商业对着干。所以说用所谓的艺术片方法拍商业片很难，用商业片拍艺术片也很难获得认可。又困难又不能获得认可，那就没有人这么干，就会导致现在这种结局。

影视工业网：那你在布光的时候，更注重人物光还是环境光？

罗攀：我不是这个思维。也可以说这是个不会存在这个问题。有时候布完环境光之后，人物光就足够了。有时候打完人物光，其实环境光也可能已经没有必要，这个是在不停变化的。

商业片很注重人物光，因为观众要看到明星，要看清楚、看漂亮。艺术有时候会比较强调环境，强调人和环境的关系，而商业片有时候不大强调这点。

所以有时候我并没有太区分环境光和人物光，通常我会侧重于这个剧本要表达什么，比如说我需要在一个环境布置一个很明亮的调子，那首先就让环境明亮。环境明亮以后，人自然就明亮了。只是会在多机拍摄的时候，为了弥补某些镜头缺憾，去做一些补充。除非遇到人物光和环境光是矛盾的情况，那摄影师要处理这个矛盾，可能人物光很漂亮，但环境不对，这时候作为摄影师就需要去调整，需要去取舍和判断之间的误差。

很多人没搞明白技术意味着什么，只是一味追求 

影视工业网：怎么看待现在的技术？4K、8K、120帧、全画幅、变形宽银幕等？

罗攀：我很关注这些技术，但我更关注这些技术对电影摄影意味着什么。

国内，包括世界上讨论技术的很多，但讨论这个技术意味着什么的就比较少。比如，120帧意味着什么？为什么要用120帧？120帧可以减少运动模糊，但它对电影意味着什么？为什么24帧不用？它在美学上会带来什么反应？比如使用大画幅，传统35mm系列电影你看着哪儿不舒服了？大画幅对电影美学意味着什么？我感觉大多数人没明白。只是，电影摄影今年流行大画幅，我们就用大画幅；明年流行HDR，那就继续追求，很多人对技术的追求是处于一个发烧状态。

比如我看《双子杀手》，技术是很新，但是我认为这个技术对故事几乎没有帮助。在观影感受上的确带来很大不同，但是作为一个电影它仍然是失败的。难道李安就仅仅是为了那几分钟的摩托车戏拍这部电影吗？当然，我认为李安导演也在反思，他要表达的东西，这个技术有没有实现。

中国电影工业化学好莱坞学得远远不够 

影视工业网：你怎么理解电影工业化？

罗攀：工业化就是还没有工业，正在往工业水准上走。我们从摄影器材、软件升级、镜头保养，哪怕是我们灯的电线、后期、影院放映，这一切都在处于一个毛毛糙糙的状态。当然我们也能拍，也能看，但是我们不能保证今天出来的影像和明天是完全一样的，我们做不到。但工业化就可以做到，它可以做到今天、明天、后天是一模一样，能保证电影的品质不会因为人的误差出现巨大变化。

在国内，摄影师什么要负全责。但要一个人从器材到软件、后期放映，都特别专业，也不可能，这势必就出现了不是特别标准的状况。所以未来电影的DIT、后期、放映等有一套专业人士去把关。去保证现场监视器看到的和影院银幕一样，至于中间怎么连起来，这是我现在所知道标准化的一个标志。

我们所使用的器材和国际上几乎没有区别，而最大的区别在于软件和操作的人。之前罗杰·狄金斯的DIT来中国演讲，他完全可以做到在现场监视器看到的画面和在电影院完全一样， 他的每一个流程，包括监视器的菜单，控制的都非常精确，但我们就永远做不到这一点。我觉得主要是人的原因，我们的专业素质、责任心还是有差距。还有，在制作上我们没有更多的预算，很多电影拍摄给后期和技术保障的钱都不是太多，而现在大家比较重视的是可以看得见的钱，这也是很大的原因。

影视工业网：你觉得我们学习电影工业化，到底应该学什么？

罗攀：世界上哪个电影工业最先进，就应该去学他。如果好莱坞是最先进的，那就去学它。我们几乎就是学好莱坞，只是我们学的不够好，学的不够认真，投入的成本不够大。

我们有技术、有器材，但我们器材的维护，软件的升级，和所有从业人员的专业素质，远远谈不上足够，其实还差很远。然后是电影中的资源分配不明确。比如后期管理这一块，比一个东西需要一百块来完成，可市场就只给你50块，工作人员只能强行去工作。中国人对于这种工作方式也非常习惯，所以就产生了“糊弄”。所以对质量、对完美的追求远远还不是中国电影追求的东西。我们还在追求生存。

首届中国（白沙）影视工业电影周旨在通过对幕后英雄的鼓励、认同，引起大众对幕后英雄的重视与尊重，推动中国电影工业化进程。本次电影周核心活动于2019年11月8日—11月13日在重庆影视城（江津白沙）开展，将先后举行参选影片招募、开幕式、幕后英雄推选活动、电影拍摄全流程互动体验、入围电影展映（含中国影视工业纪录片）等多个核心单元。

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